V případě, že jste si toho nevšimli, Los Angeles přetéká výstavními prostory. LACMA je domovem 100 000 uměleckých děl a upevňuje jej jako největší muzeum v západních Spojených státech. Muzeum bylo otevřeno v roce 1965 a zaměřuje se na oblast dějin umění a zeměkoule. Kde začít? Profilujeme deset prací, které musíte vidět v LACMA.
Plačící žena s kapesníkem (1937) od Pabla Picasso
Picasso to maloval v roce 1937 ve Španělsku poté, co dokončil svou slavnou práci Guernica, která byla na protest proti španělské občanské válce. Poté Picasso posunul svůj styl malby do surrealismu, ale plačící ženu často maloval. Zachycená žena nepředstavuje pouze jeho osobní nepokoje, přičemž mnozí věří, že je to portrét jeho milenky a milenky Dory Maarové, ale také představuje oběť války - manželku a matku nechanou v agónii zničením. Obraz je neuvěřitelně silný a zároveň provokující. V muzeu je vystavena široká škála Picassových děl z několika různých období, takže můžete prozkoumat sbírku tohoto velkého umělce.
Foto: Daren DeFrank
Shiva jako Lord of Dance (c. 950–1000) od Tamil Nadu
Shiva Destroyer and Restorer je jedním ze tří hinduistických bohů. Mezi ostatní patří Brahma Stvořitel a Višnu Preserver. Šiva je široce populární a uctívaná po celé jižní Indii. Šiva je také známá jako patronský bůh jógy a kosmického tance, který vytvořil vesmír v nepřetržitých rytmických cyklech. V tomto zobrazení Shiva tančí kolem plamene stoupajícího z lotosového podstavce, který mnozí považovali za symbol stvoření. Socha se stala symbolem indické civilizace. Práce zachycuje Shivovu milost a božskou jednotu. Sochu najdete ve čtvrtém patře budovy Ahmanson a po jejím prozkoumání zblízka je snadné vidět silný význam, který tato socha měla pro indickou kulturu, a také proč se dílo slaví po celém světě.
Foto: Daren DeFrank
Zápasníci (1899) Thomas Eakins
Tento obraz lze v galerii snadno najít, protože si jednoduše vyžaduje vaši pozornost. Najednou jste tak okouzleni ostrým obrazem, že je těžké se odvrátit. Eakins je považován za jednoho z velkých realistických amerických malířů 19. století a je snadné pochopit proč. Obraz vypadá, jako by se odehrával před vámi se dvěma zápasníky propletenými uprostřed zápasu. Cílem mnoha jeho děl bylo zachytit „hrdinství moderního života“ a on často trávil hodiny vytvářením těchto okamžiků. Často by za něj měli zápasit dva atleti a poté zjistit, na které pozici se mu nejvíce stylisticky líbí. Tento obraz je také jeho posledním dokončeným tématem lidské podoby a byl dokončen ke konci své kariéry. Má se za to, že reprezentuje jeho vlastní frustrace ze života. Obraz je určitě ohromující. Kdo věděl, že zápas s démony může být tak krásný?
Foto: Daren DeFrank
Tři Quintains (1964) Alexander Calder
Tato socha je jedinečná nejen pro designové prvky v díle Alexandra Caldera Three Quintains, ale také proto, že kus byl vytvořen pro muzeum. Před otevřením muzea byla zřízena komise pro získání fontánové sochy pro dané místo. Muzeum nabídlo provizi Calderovi, který souhlasil v červnu 1964. Laurelle Burtonová, která byla tehdejším předsedou Rady uměleckých muzeí, uvedla: „Mít muže Alexandra Caldera jako první navrhnout sochu konkrétně pro nové muzeum by stanovilo standardy pro budoucí úsilí ze strany umělců a dárců. “ Kašna se skládá z jednoduchých geometrických tvarů, které jsou charakteristické pro Calderův styl, vznášející se ve vzduchu a poháněné proudem vody. Skladba je jednou z mála fontánových soch, které Calder kdy vytvořil. Práce je natrvalo vystavena v režisérově zahradě u kulatého stolu.
Den květin (Dĩa de Flores) (1925) od Diego Rivera
Diego Rivera rozhodně nepotřebuje úvod. Jeho obrazy v různých prostředích, včetně vodových barev a oleje, jsou světově proslulé. Tento obraz je nutností vidět! Těžištěm obrazu je prodejce lilie kala. Na květiny se dívá shora, což je jedinečný pohled. Zajímavé je i složení díla, protože postavy jsou blokově podobné, což je technika, kterou Rivera vytrhla ze svého kubistického malířství na začátku své kariéry. Poté, co získal první místo na první panamerické výstavě olejomaleb v roce 1925, získal ji mateřská instituce LACMA, Muzeum historie, vědy a umění v Los Angeles.
Den květin Diego Rivera © Joaquin Martinez / Flickr
Dlaždice s rolovacím květinovým arabeskou (cca. 15. století), větší Írán
Součástí výstavy LACMA, islámské umění nyní - část 2, tento keramický kousek pochází z 15. století. Výstava jako celek se zaměřuje na spojení minulosti a současného umění v různých prostředích a tématech. Tato deska patří k timuridské vládě v Íránu a střední Asii. Budovy sponzorované Timuridy často zdobily ozdobné dlaždice, jako je tato. Kousky dlaždic byly vyříznuty z různých sad dlaždic s řadou různých barev, aby vytvořily mozaiku, která by se spojila s ostatními při vytváření komplexního designu na vnější straně struktur. Nejzajímavější na tomto kousku je, že navzdory stáří a opotřebení dlaždice zůstávají barvy času stále živé.
-
- Dlaždice © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) od René Magritte
Tento obraz není považován pouze za surrealistická mistrovská díla René Magritte, ale také jako ikona moderního umění. Surrealismus byl styl umění, který těžce čerpal jeho vlivy z freudovské psychologie. Symbolizoval reakci proti „racionalismu“, o kterém mnozí věřili, že přispěl k první světové válce. Jeho obrazové obrazy jsou jeho příklady nemožnosti kombinovat slova s obrázky a objekty. Magritte pracovala v reklamě, byla umělec a obraz se zpočátku zdá být zjednodušující - téměř prodával dýmku zobrazenou v díle. Pod slovy „toto není trubka“, což je na první pohled matoucí. Složitým prvkem je, že obraz trubky není ve skutečnosti trubkou samotnou, ale pouze zobrazením trubky. Jeho použití textu v jeho obrazech by dále ovlivnilo generaci koncepčně orientovaných umělců, včetně: Jaspera Johna, Roy Lichtensteina a Andyho Warhola.
Foto: Daren DeFrank
Zátiší s třešněmi a broskvemi (1885–1887) Paul Cézanne
Paul Cézanne je známý jako jeden z legendárních postimpresionistických malířů 19. století. Jeho obrazy zahrnují řadu předmětů od krajiny po portréty a zátiší. Jeho ikonické obrazy různých stolních nastavení jsou okamžitě rozpoznatelné v uměleckém světě i mimo něj. Cézanne používala živé barvy a tahy štětcem k zachycení intenzity obrazů, což je doloženo na tomto obrázku. Názory na obraze jsou různé. Třešně jsou prohlíženy z výše uvedeného ohniska, zatímco broskve se i přes svou těsnou blízkosti zdají být pozorovány více směrem k postrannímu úhlu. Sklo a tabule doprovázejí nastavení stolu a jsou realistické a zároveň abstraktnější, což je typické pro postimpresionismus. Tento kus je klasickým příkladem úchvatného stylu Cézanne a jeho vizuálním malířstvím.
Foto: Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) od Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein je jedním ze skupiny umělců, kteří ve své práci používali komerční snímky a transformovali je. Tyto styly se staly známými jako Pop Art a vstoupily do módy v 60. letech. Použití výrazných barev a čar vytváří komiksové snímky. Přesný nákres rovněž leží na plátně naplocho a záměrně postrádá použití dimenze. Zajímavou dynamikou je také umístění textu v díle s nápisem „Ahoj“ se ženou obrácenou k sobě. Lichtenstein vytvořil ženskou kůži pomocí ručního výkladu techniky stylem známým jako Ben-Day (tiskařské) tečky, což je mechanizovaný proces používaný při výrobě komiksu.
