Ingmar Bergman je nejvlivnějším švédským režisérem - mužem, který formoval samotnou povahu kina pro nadcházející roky. Kelsey Eichhorn zkoumá, jak přispěl k vytvoření výrazné švédské estetiky, která dnes přetrvává.
Na začátku filmu Ingmara Bergmana z roku 1961 Through the Glass Darkly je mezi dvěma hlavními postavami zdánlivě nevšední krátká scéna. Martin, manžel Karin (jediný filmový hrdina filmu) a Karinův otec (kterého známe jednoduše jako „Papa“), staví sítě na ryby hned na malém ostrově, kde si rodina pronajala altán. Martin se ptá Papa, jestli obdržel svůj dopis před několika týdny, a oba diskutují o Karinově zdraví. Právě v této rané fázi se publikum dozví, že Karinova nemoc, ať už je jakákoli, je nevyléčitelná.
Konverzace je krátká a faktická, s tím, že oba muži vykonávají své příslušné úkoly, když se Martin vespolává pomalu a Papa vysílá síťovinu - film se stříhá tam a zpět mezi nimi v konvenční struktuře zpětného výstřelu. Krátce se zastaví, aby se soustředili na svůj projev, a film se vrací k ustavujícímu výstřelu z lodi a dvou mužů; ostrá bezútěšnost oceánu a řídce vegetovaného ostrova za nimi. Přestože je scéna zjevně výjimečná, je čistě Bergman: stoický a minimalistický ve svém dialogu a výkonu, soustředěný ve své estetické a skladbě. Nenápadný styl vytváří realismus a poctivost, která během historie charakterizovala švédskou kinematografii a švédskou kulturu.
Bergman téměř jednou rukou umístil švédské kino na mapu světa. Po počátečním úspěchu hluboce symbolického léta s Monikou (1952) a Sedmou pečetí (1957) byl Bergman uveden na mezinárodní hvězdu umělecké kinematografie. Když jeho kultovní status začal mizet tváří v tvář francouzským hrdinům New Wave Godardovi a Truffautovi, jeho filmy nečekaně provedly prudký přechod od symbolického k osobě - vládnoucí fascinace světa filmu tímto výrazně skandinávským stylem. Šíření tichého filmu ze Švédska na počátku 20. let 20. století přineslo švédskému hlubokému zaujetí otázkami sociální a politické spravedlnosti, které by živily budoucí oslavu čestnosti a realismu švédské kinematografie. Bergman ohlašoval ve věku modernismu umění, které korelovalo nejen s tímto dědictvím švédského stoicismu, ale také s progresivní sociální atmosférou Švédska v druhé polovině 20. století.
Ingmar Bergman během produkce lesních jahod © Louis Huch / WikiCommons
Během své třpytivé kariéry více než 50 celovečerních a televizních filmů si Bergman pevně stanovil hlavní tematické zájmy švédské filmové tvorby, které jsou dodnes konzistentní. Standardní stylistické trendy minimalismu a realismu vyrostly z Bergmanovy tendence k temnější straně lidské přirozenosti; jeho filmy často měly těžká témata, jako jsou ta, která jsou kolektivně známá v celém umění jako „skandinávská deprese“ - smrt, osamělost, láska a šílenství. Nejpravdivějším svědectvím o postavení Ingmara Bergmana jako premierové síly švédského filmu je, že estetické trendy, které tak mistrovsky využíval a rozvíjel, vydržely nad rámec svých vlastních uměleckých snah ovlivnit pozdější generace filmařů, kteří nyní přijímají nové a vyvíjející se předměty a témata.
Minimalismus a realismus prosazovaný Bergmanovými strašidelnými příběhy lze vidět v různých inkarnacích v trendu švédské komedie a melodramu z 80. let a v nedávné záplavě švédských hororových a thrillerových filmů. Divoko populární kultovní hit Let the Right One In (Låt den rätte komma in, 2008) režie Tomas Alfredson je dokonalým příkladem prolnutí realismu s moderním švédským zaujetím žánrem hrůzy a fantazie. Omezené herecké výkony, minimalistické psaní scénářů, nenápadná kinematografie a tlumená, utlumená paleta barev umožňují intenzivní poctivost lidské emoce prosvítat v hluboce dojímavém příběhu osamělosti a lásky.
Lukas Moodysson, snad nejoblíbenější švédští současní režiséři, poprvé vzbudil cinefily s jeho celovečerním filmem Show Me Love (Fucking Åmål) z roku 1998, který byl chválen za prostý realismus a emocionální upřímnost v jeho drzém zobrazení lesbické milostné aféry mezi dvěma teenagery v malé švédské město. V době, kdy většina světa stále považovala homosexualitu za tabu, vytvářeli sociálně progresivní švédští umělci dojemné a jemné pocty obtížím lásky ve všech jejích podobách. Moodysson následoval jeden úspěch s druhým a vydával Together (Tillsammens, 2008), příběh malého, nefunkčního hippieho společenství v sedmdesátých letech ve Stockholmu. Moodysson, odlišný od často statického Bergmanova stylu, používá zjevné zvětšení a prudké sledování a pánve, které zrcadlí hektické prostředí přeplněného a nekonvenčního domu. Explicitní estetická technika však zdaleka neubírá na poctivosti a realismu příběhu, ale zdůrazňuje intenzivně emocionální herecké výkony, protože postavy bojují současně s nabitou politickou atmosférou měnícího se světa a emocionálním chaosem lásky a ztráty, jak se i dospělí učí, jsou neustále v procesu „dospívání“.
Není překvapivé, že tyto tematické trendy realismu, jednoduchosti a poctivosti vydržely od začátku Bergmanova času, protože velmi estetická zařízení, která světu představil, k takovému fanfáru, přirozeně vyrostla z kultury ve Švédsku: vysoká hodnota o rodinném životě, o silném pocitu sociální spravedlnosti a rovnosti, vzájemné závislosti lidí a jejich prostředí a luteránské pochmurnosti, která přináší intenzivní uvolnění skrytých emocí. V posledních letech začali Moodysson, Alfredson a mnoho dalších moderních švédských režisérů přijímat řadu estetických technik v různých žánrech, které zahrnují populární trendy ze silné a neustále se vyvíjející kultury mládeže ve Švédsku. Přesto, stejně jako u Bergmana, základní témata a hodnoty jejich filmů odrážejí bohatou historii filmu, která podle všeho ztělesňuje samotnou kulturu Švédska. Ve společnosti, která je často považována za plachou a rezervovanou, hluboká emoční intenzita převládající ve švédském kině silně naznačuje, že stále vody skutečně tekou hluboko, a vřelé a otevřené přivítání, které čeká každý, kdo se skutečně snaží ponořit do švédské kultury, nikdy nezklame.
